Arte y Medicina. La muerte
- Iniciador del tema Juanete
- Fecha de inicio
NitoCba
e-mergencista experimentado
Ahora, una obra, que, no me explico por qué, ninguno de los habituales de este post hemos puesto aún.
Se trata del Cristo Muerto, 1480-90, de Andrea Mantegna (1431-1506) para algunos autores, una de las mejores obras que se han hecho sobre la muerte.
Es temple sobre tela, de 68x81 cms., de un gran efecto dramático y un excelente estudio de anatomia.
Se encuentra en la Pinacoteca de Brera, Milán.
Se trata del Cristo Muerto, 1480-90, de Andrea Mantegna (1431-1506) para algunos autores, una de las mejores obras que se han hecho sobre la muerte.
Es temple sobre tela, de 68x81 cms., de un gran efecto dramático y un excelente estudio de anatomia.
Se encuentra en la Pinacoteca de Brera, Milán.
Arturo Vargas Origel
e-mergencista nuevo
Esta pintura tiene que ver con la medicina. Primero porque Marat era médico y segundo porque estaba en una tina de baño para calmarse las graves molestias de un problema dermatologico que no se sabe bien que era (prob. dermatitis herpetiforme o eczena).
Lo pinta David, quien después será el pintor preferido de Napoleon, después de haber sido asesinado por Charlotte Corday quien fue atrapada en el lugar y pocos días después fue decapitada en la guillotina. Marat fue un revolucionario insitigador desde su periodico de asesinatos por el populacho.
Lo pinta David, quien después será el pintor preferido de Napoleon, después de haber sido asesinado por Charlotte Corday quien fue atrapada en el lugar y pocos días después fue decapitada en la guillotina. Marat fue un revolucionario insitigador desde su periodico de asesinatos por el populacho.
Arturo creo que la pintura de la que hablas es esta:
Pues, creo que sí, que a esa se refiere, ya se habló de ella:
https://www.e-mergencia.com/foro/showthread.php?t=20159&page=2
Y aquí, también puedes ver La muerte de Marat, en una obra bastante menos conocida que la obra de David:
https://www.e-mergencia.com/foro/showthread.php?t=20159&page=10
Pues, ya que andamos en días de difuntos, os dejo un fragmento de un mural de Diego Rivera, que, creo, no necesita comentarios.
Cecilia Orellana Peña
e-mergencista novel
Pido disculpas pero ya que el foro es Arte y Medicina me atrevo a compartir con ustedes una pieza de arte literaria, un poema de John Donne.
Creo que refleja nuestra realidad, la muerte de nuestros pacientes no nos es indiferente.
For whom the bell tolls … No man is an island, Entire of itself. Each is a piece of the continent, A part of the main. If a clod be washed away by the sea, Europe is the less. As well as if a promontory were. As well as if a manner of thine own Or of thine friend's were. Each man's death diminishes me, For I am involved in mankind. Therefore, send not to know For whom the bell tolls, It tolls for thee.
Ahora la traducción:
Por quién doblan las campanas Ningún hombre es en sí Equiparable a una isla; Todo hombre es un pedazo del continente, Una parte de tierra firme; Si el mar llevara lejos un terrón, Europa perdería Como si fuera un promontorio. Como si se llevara una casa solariega De tus amigos o la tuya propia. La muerte de cualquier hombre me disminuye, Porque soy una parte de la humanidad. Por eso no preguntes nunca Por quien doblan las campanas, Están doblando por ti.
Creo que refleja nuestra realidad, la muerte de nuestros pacientes no nos es indiferente.
For whom the bell tolls … No man is an island, Entire of itself. Each is a piece of the continent, A part of the main. If a clod be washed away by the sea, Europe is the less. As well as if a promontory were. As well as if a manner of thine own Or of thine friend's were. Each man's death diminishes me, For I am involved in mankind. Therefore, send not to know For whom the bell tolls, It tolls for thee.
Ahora la traducción:
Por quién doblan las campanas Ningún hombre es en sí Equiparable a una isla; Todo hombre es un pedazo del continente, Una parte de tierra firme; Si el mar llevara lejos un terrón, Europa perdería Como si fuera un promontorio. Como si se llevara una casa solariega De tus amigos o la tuya propia. La muerte de cualquier hombre me disminuye, Porque soy una parte de la humanidad. Por eso no preguntes nunca Por quien doblan las campanas, Están doblando por ti.
Aiacos
e-mergencista experimentado
Por un momento crei que te referias a la obra de Hemingway, pero la verdad es que no habia leido a este autor. Un nuevo tesoro que buscar.
Aiacos
e-mergencista experimentado
Saturno devorando a sus hijos, por Rubens,El episodio de Saturno es uno de los más dramáticos de los pintados por Rubens para la Torre de la Parada, pabellón de caza cercano a Madrid, encargado decorar por Felipe IV con escenas mitológicas inspiradas en la "Metamorfosis" de Ovidio y escenas de caza realizadas por Frans Snyders y Peter Snayers. Saturno, el principal entre los Titanes, pensó que la mejor manera de evitar que uno de sus hijos le destronase era devorarlos al poco de nacer.
NitoCba
e-mergencista experimentado
Algunos datos sobre John Donne, el escritor que nos trajo Cecilia Orellana Peña (acotación al margen, Cecilia excelente su trabajo "Intimidad del paciente, pudor y ciencia médica" se lo recomiendo para que lo lean todos y disculpen los moderadores si me fui de tema):
John Donne
John Donne (1572- 31 de marzo de 1631) fue el más importante poeta metafísico inglés de las épocas de la reina Isabel I (Elizabeth I) (1559-1603), el rey Jaime I (James I) (1603-1625) y su hijo Carlos I (Charles I) (1625-1642). La poesía metafísica es más o menos el equivalente a la poesía conceptista del Siglo de Oro español de la que es contemporánea. Su obra incluye: poesía amorosa, religiosa, traducciones, epigramas, elegías según la tradición de imitación de los Amores de Ovidio (es decir, en realidad son poemas de amor), canciones y sermones en prosa.
La obra del joven Donne es notable por su estilo realista y sensual, e incluye muchos poemas y canciones, así como versos satíricos; el lenguaje vibrante y lo complicado de sus metáforas lo distingue de sus predecesores y la mayoría de sus coetáneos. Izaak Walton, su primer biógrafo, lo describe como un joven libertino. Sin embargo, los eruditos creen que ésta puede ser más bien la imagen dada por un Donne ya viejo y eclesiástico; una manera de separar lo mejor posible al mozo impúdico del sacerdote serio y maduro. Después de estudiar teología, se convirtió al anglicanismo en la década de 1590.
Obtuvo el puesto de secretario de Sir Thomas Egerton, un destacado miembro de la corte, pero se enamoró de Anne More, la nieta de Egerton, casándose con ella en secreto en 1601. Tuvieron doce hijos, de los cuales sólo siete llegaron a la edad adulta. El matrimonio secreto sin contar con el consentimiento del padre de Anne More significó que Donne tuvo que olvidar cualquier esperanza de progreso en su carrera profesional: cuando su suegro se enteró de lo que había pasado, usó su influencia para meter en la cárcel a Donne y a dos de sus amigos, de los cuales uno había oficiado la ceremonia y el otro había servido de testigo. No permanecieron presos por mucho tiempo. Egerton despidió a Donne, quien se convirtió en diputado del distrito de Brackley ese mismo año. Durante esta época es que escribió sus dos “Aniversarios”: An Anatomy of the World (1611) y Of the Progress of the Soul (1612). Ambos poemas revelan su confianza en el orden de las cosas de tradición medieval y del primer Renacimiento, en contraste con la incertidumbre política, científica y filosófica que trajo la segunda mitad del Renacimiento y el comienzo del s. XVII.
Al salir de la cárcel Donne se reunió con su esposa y se establecieron en un terreno del primo de ésta en el condado de Surrey. La pareja vivió muchas dificultades económicas hasta que en 1609 Donne recibió la dote de su esposa al reconciliarse con su suegro. Su creciente familia lo obligó a buscar los favores del rey, por lo que, entre 1610 y 1611, escribió dos piezas en contra del catolicismo, Pseudo-Martyr e Ignatius his Conclave, a pesar de que muchos miembros de su familia, entre ellos su madre, aún eran católicos. (En el segundo título se hace referencia a Galileo y al parecer es la primera vez que su nombre aparece en un texto literario inglés.) Al rey rey James le complacieron ambos textos, pero se negó a ofrecerle otra cosa que no fueran cargos eclesiásticos. Donne se resistió a aceptarlos pero, después de un largo período de penurias económicas y de lucha consigo mismo, durante el cual fue dos veces miembro de parlamento (en 1601 y 1614), finalmente sucumbió a los deseos del rey y se ordenó sacerdote anglicano en 1615. Su poesía adquirió un tono más profundo tras morir su esposa Anne el 15 de agosto de 1617; especialmente los que se consideran como sus "sonetos sagrados" (Holy Sonnets).
Después de asumir su cargo, Donne escribió un gran número de trabajos religiosos, como Devotions Upon Emergent Occasions (1624) y varios sermones, muchos de los cuales fueron publicados en vida y de los que se conservan 160. Se le consideraba un maestro de la elocuencia y su estilo único lo ayudó a convertirse en uno de los más grandes predicadores de sus tiempos. En 1621, Donne fue nombrado deán de la catedral de San Pablo (Saint Paul's Cathedral), la antigua catedral gótica de Londres destruida en el incendio de 1665, cargo que ocupó hasta su muerte. Contrajo una grave enfermedad en 1623, durante la cual escribió su obra Devotions. Es muy conocida la historia de su muerte: al parecer el día antes de morir dio un sermón que muchos dijeron fue el sermón de su propio funeral. El sermón lo interrumpió para recitar un discurso llamado Death's Duell, una obra maestra de la prosa inglesa del siglo XVII. Luego se retiró a su cámara y mandó a hacerse un retrato para el que posó envuelto en la mortaja con la que se lo enterró tras su muerte acaecida unas semanas después, el 14 de marzo de 1631.
He aqui el cuadro de él amortajado:
Que loco hacerse un retrato de como iba a estar despues de morir.
John Donne
John Donne (1572- 31 de marzo de 1631) fue el más importante poeta metafísico inglés de las épocas de la reina Isabel I (Elizabeth I) (1559-1603), el rey Jaime I (James I) (1603-1625) y su hijo Carlos I (Charles I) (1625-1642). La poesía metafísica es más o menos el equivalente a la poesía conceptista del Siglo de Oro español de la que es contemporánea. Su obra incluye: poesía amorosa, religiosa, traducciones, epigramas, elegías según la tradición de imitación de los Amores de Ovidio (es decir, en realidad son poemas de amor), canciones y sermones en prosa.
La obra del joven Donne es notable por su estilo realista y sensual, e incluye muchos poemas y canciones, así como versos satíricos; el lenguaje vibrante y lo complicado de sus metáforas lo distingue de sus predecesores y la mayoría de sus coetáneos. Izaak Walton, su primer biógrafo, lo describe como un joven libertino. Sin embargo, los eruditos creen que ésta puede ser más bien la imagen dada por un Donne ya viejo y eclesiástico; una manera de separar lo mejor posible al mozo impúdico del sacerdote serio y maduro. Después de estudiar teología, se convirtió al anglicanismo en la década de 1590.
Obtuvo el puesto de secretario de Sir Thomas Egerton, un destacado miembro de la corte, pero se enamoró de Anne More, la nieta de Egerton, casándose con ella en secreto en 1601. Tuvieron doce hijos, de los cuales sólo siete llegaron a la edad adulta. El matrimonio secreto sin contar con el consentimiento del padre de Anne More significó que Donne tuvo que olvidar cualquier esperanza de progreso en su carrera profesional: cuando su suegro se enteró de lo que había pasado, usó su influencia para meter en la cárcel a Donne y a dos de sus amigos, de los cuales uno había oficiado la ceremonia y el otro había servido de testigo. No permanecieron presos por mucho tiempo. Egerton despidió a Donne, quien se convirtió en diputado del distrito de Brackley ese mismo año. Durante esta época es que escribió sus dos “Aniversarios”: An Anatomy of the World (1611) y Of the Progress of the Soul (1612). Ambos poemas revelan su confianza en el orden de las cosas de tradición medieval y del primer Renacimiento, en contraste con la incertidumbre política, científica y filosófica que trajo la segunda mitad del Renacimiento y el comienzo del s. XVII.
Al salir de la cárcel Donne se reunió con su esposa y se establecieron en un terreno del primo de ésta en el condado de Surrey. La pareja vivió muchas dificultades económicas hasta que en 1609 Donne recibió la dote de su esposa al reconciliarse con su suegro. Su creciente familia lo obligó a buscar los favores del rey, por lo que, entre 1610 y 1611, escribió dos piezas en contra del catolicismo, Pseudo-Martyr e Ignatius his Conclave, a pesar de que muchos miembros de su familia, entre ellos su madre, aún eran católicos. (En el segundo título se hace referencia a Galileo y al parecer es la primera vez que su nombre aparece en un texto literario inglés.) Al rey rey James le complacieron ambos textos, pero se negó a ofrecerle otra cosa que no fueran cargos eclesiásticos. Donne se resistió a aceptarlos pero, después de un largo período de penurias económicas y de lucha consigo mismo, durante el cual fue dos veces miembro de parlamento (en 1601 y 1614), finalmente sucumbió a los deseos del rey y se ordenó sacerdote anglicano en 1615. Su poesía adquirió un tono más profundo tras morir su esposa Anne el 15 de agosto de 1617; especialmente los que se consideran como sus "sonetos sagrados" (Holy Sonnets).
Después de asumir su cargo, Donne escribió un gran número de trabajos religiosos, como Devotions Upon Emergent Occasions (1624) y varios sermones, muchos de los cuales fueron publicados en vida y de los que se conservan 160. Se le consideraba un maestro de la elocuencia y su estilo único lo ayudó a convertirse en uno de los más grandes predicadores de sus tiempos. En 1621, Donne fue nombrado deán de la catedral de San Pablo (Saint Paul's Cathedral), la antigua catedral gótica de Londres destruida en el incendio de 1665, cargo que ocupó hasta su muerte. Contrajo una grave enfermedad en 1623, durante la cual escribió su obra Devotions. Es muy conocida la historia de su muerte: al parecer el día antes de morir dio un sermón que muchos dijeron fue el sermón de su propio funeral. El sermón lo interrumpió para recitar un discurso llamado Death's Duell, una obra maestra de la prosa inglesa del siglo XVII. Luego se retiró a su cámara y mandó a hacerse un retrato para el que posó envuelto en la mortaja con la que se lo enterró tras su muerte acaecida unas semanas después, el 14 de marzo de 1631.
He aqui el cuadro de él amortajado:
Que loco hacerse un retrato de como iba a estar despues de morir.
La Muerte.
Obra de Francois Xabier Fabre (Francia, 1766- 1837) fue discípulo de David. Sin embargo, la posteridad lo conoce más por los objetos de arte que legó y que conformaron el Museo Fabre de Montpellier, que por su obra.
La obra, a pesar del título parece estar llena de vida.
La muerte de Dorothy
Se trata de una obra de la fotografa mexicana Daniela Edburg.
Se trata de una obra de la fotografa mexicana Daniela Edburg.
Aiacos
e-mergencista experimentado
La temprana iglesia renacentista de Santa Maria del Popolo fue encargado por el Papa Sixto IV della Rovere en 1472.
Entre los artistas que trabajaron en el edificio fueron Andrea Bregno y Pinturicchio. Más tarde se hicieron adiciones
por Bramante y Bernini. Muchos ilustres familias tienen aquí capillas, incluida la Chigi y CERASI familias.
Este piso de mosaico de la figura de la muerte se añadió a la Capilla Chigi en el siglo XVII.Entre los artistas que trabajaron en el edificio fueron Andrea Bregno y Pinturicchio. Más tarde se hicieron adiciones
por Bramante y Bernini. Muchos ilustres familias tienen aquí capillas, incluida la Chigi y CERASI familias.
Una verdadera obra de Arte
NitoCba
e-mergencista experimentado
Traigo un pintor mexicano, Juan Alcazar, y su obra Codice de la muerte (detalle, no es la obra completa, no la conseguí 
) .
Datos de Juan Alcazar
[FONT=Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif]Nace en Guadalupe Etla el 5 de enero de 1955 y ya a los 13 años ingresa en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Benito Juárez de Oaxaca. Por sus dotes, esta institución lo auspicia (1972) para realizar estudios de grabado con Fernando Vilchis y Leticia Tarragó y otra beca le permite estudiar serigrafía en Xalapa. A los 27 años estableció el Taller Libre de Gráfica Oaxaqueña, núcleo donde se reúnen a grabar artistas de la talla de Francisco Toledo y Gunter Gerszo.[/FONT]
[FONT=Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif]Como expositor individual se presentó por primera vez en la Universidad Autónoma de Puebla, en 1983; asimismo expuso “Painters from Oaxaca”en la Galería Arriba en Massachussets (1986) y el Queens Collage Art Center de Nueva Cork albergó “Magic Realism, Print Retrospective” (1997).[/FONT]
[FONT=Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif]Entre 1982 y 1997, Alcázar ha participado en 88 muestras colectivas, numerosas en el país, pero no pocas en el extranjero. “Jóvenes pintores oaxaqueños” (1982), en Fow Fasrik Atelier, en Zurich. Al año siguiente, su obra se dio a conocer en la Ciudad de México al presentarse en “El arte joven de Oaxaca”. En 1985, “Oaxaca y sus pintores mágicos” viajó a Madrid para exhibirse en el Centro Aldaba; “Contemporany Mexican Artist”, a Londres, donde se expuso en Novotel; y “The Magic of Oaxaca” se mostró en Acevedo Art Gallery International de San Diego, Cal. Si continuamos con los viajes, habrá que mencionar “Zapotecas” que se presentó en la Raza Graphics Center de San Francisco, Cal., y “Mestizaje”, de nuevo en Acevedo Art Gallery ambas durante 1986. “Presencia de Oaxaca”, en Ocumichu Galley de Santa Mónica , Cal., es de 1987; mientras que “Autorretrato” (1989), se inauguró en la Galería López Quiroga de la Ciudad de México. Ese mismo año, Alcázar participó en SAGA 89 FIRC EDITION, en el Grand Palais de París y en “Gráfica Oaxaqueña”, en la Stone Press Gallery en Seatttle, Washington. En 1992, “Graphic Art of Mexico” se inauguró en Beaver Gallery, Canberra; y “Seven Mexican Dreamers”, en Holland Fine Art, en Sydney, ambas en Australia . [/FONT]
[FONT=Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif][FONT=Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif]En 1993, “Sueños y mitos de Oaxaca”, en De Haagsche Kunstikring Gallery, Der Haag, Holanda, y “Día de muertos en México”, en el Institut Fur Ausonsbezichgen de Sttuttgart. Un año más tarde, también con el tema de muertos y calacas, “Ofrenda” en la Cork Quay Gallery de Toronto; y “Calaveras de todos”, en el Fine Art Center Museum de Chicago”. [/FONT]
[FONT=Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif]“The Magical Presence of Oaxaca” (1995) se exhibió en The Sierra Madre Gallery, en Santa Fe, Nuevo México; y de 1997, destaca su participación en el Salón Nual Nikka Kai, en Japón.[/FONT]
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) .Datos de Juan Alcazar
[FONT=Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif]Nace en Guadalupe Etla el 5 de enero de 1955 y ya a los 13 años ingresa en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Benito Juárez de Oaxaca. Por sus dotes, esta institución lo auspicia (1972) para realizar estudios de grabado con Fernando Vilchis y Leticia Tarragó y otra beca le permite estudiar serigrafía en Xalapa. A los 27 años estableció el Taller Libre de Gráfica Oaxaqueña, núcleo donde se reúnen a grabar artistas de la talla de Francisco Toledo y Gunter Gerszo.[/FONT]
[FONT=Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif]Como expositor individual se presentó por primera vez en la Universidad Autónoma de Puebla, en 1983; asimismo expuso “Painters from Oaxaca”en la Galería Arriba en Massachussets (1986) y el Queens Collage Art Center de Nueva Cork albergó “Magic Realism, Print Retrospective” (1997).[/FONT]
[FONT=Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif]Entre 1982 y 1997, Alcázar ha participado en 88 muestras colectivas, numerosas en el país, pero no pocas en el extranjero. “Jóvenes pintores oaxaqueños” (1982), en Fow Fasrik Atelier, en Zurich. Al año siguiente, su obra se dio a conocer en la Ciudad de México al presentarse en “El arte joven de Oaxaca”. En 1985, “Oaxaca y sus pintores mágicos” viajó a Madrid para exhibirse en el Centro Aldaba; “Contemporany Mexican Artist”, a Londres, donde se expuso en Novotel; y “The Magic of Oaxaca” se mostró en Acevedo Art Gallery International de San Diego, Cal. Si continuamos con los viajes, habrá que mencionar “Zapotecas” que se presentó en la Raza Graphics Center de San Francisco, Cal., y “Mestizaje”, de nuevo en Acevedo Art Gallery ambas durante 1986. “Presencia de Oaxaca”, en Ocumichu Galley de Santa Mónica , Cal., es de 1987; mientras que “Autorretrato” (1989), se inauguró en la Galería López Quiroga de la Ciudad de México. Ese mismo año, Alcázar participó en SAGA 89 FIRC EDITION, en el Grand Palais de París y en “Gráfica Oaxaqueña”, en la Stone Press Gallery en Seatttle, Washington. En 1992, “Graphic Art of Mexico” se inauguró en Beaver Gallery, Canberra; y “Seven Mexican Dreamers”, en Holland Fine Art, en Sydney, ambas en Australia . [/FONT]
[FONT=Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif][FONT=Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif]En 1993, “Sueños y mitos de Oaxaca”, en De Haagsche Kunstikring Gallery, Der Haag, Holanda, y “Día de muertos en México”, en el Institut Fur Ausonsbezichgen de Sttuttgart. Un año más tarde, también con el tema de muertos y calacas, “Ofrenda” en la Cork Quay Gallery de Toronto; y “Calaveras de todos”, en el Fine Art Center Museum de Chicago”. [/FONT]
[FONT=Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif]“The Magical Presence of Oaxaca” (1995) se exhibió en The Sierra Madre Gallery, en Santa Fe, Nuevo México; y de 1997, destaca su participación en el Salón Nual Nikka Kai, en Japón.[/FONT]
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